Allgemeine Einleitung

Die Geschichte der Popmusik von 1960 bis 2026 ist eines der faszinierendsten intellektuellen, künstlerischen und menschlichen Abenteuer, die die moderne Welt hervorgebracht hat. In sechsundsechzig Jahren — weniger als ein Menschenleben — hat die Musik mehr Wandel erfahren als in den beiden vorausgegangenen Jahrhunderten zusammen. Sie hat ihr Wesen verändert, ihre Werkzeuge, ihre Verbreitungskanäle, ihr Publikum und ihre Ambitionen. Sie hat jede erdenkliche technologische Revolution durchlaufen, von der Schallplatte bis zum algorithmischen Streaming, über Kassette, CD, MP3 und digitalen Download. Sie hat jeden großen politischen und gesellschaftlichen Erschütterung der zeitgenössischen Ära widergespiegelt, von der Bürgerrechtsbewegung bis #MeToo, vom Vietnamkrieg bis zur Covid-19-Pandemie.

Dieser enzyklopädische Leitfaden deckt den gesamten Zeitraum in sieben verschiedenen Jahrzehnten ab, von denen jedes Gegenstand eines ausführlichen Artikels ist, der über die im Text verstreuten Links zugänglich ist. Weit davon entfernt, eine bloße Liste kommerzieller Hits zu sein, ist dies die Geschichte von Frauen und Männern, die es wagten, zu erfinden, zu provozieren, zu trösten, aufzurütteln, zu vereinen — und dabei eine unauslöschliche Spur im kollektiven Gedächtnis der Menschheit hinterlassen haben. Es ist zugleich, in seinem Kern, die Geschichte der Demokratisierung des musikalischen Schaffens: 1960 erforderte die Aufnahme eines Albums ein professionelles Studio und einen Vertrag mit einem Majorlabel; 2026 genügen das Zimmer eines Teenagers, ein Computer und eine Internetverbindung, um Millionen von Zuhörern zu erreichen.

Popmusik ist auch der unmittelbarste, universellste und emotional kraftvollste Spiegel ihrer Zeit. Keine andere Kunstform verbreitet sich so schnell, überwindet sprachliche und kulturelle Grenzen so mühelos oder verankert sich so tief im emotionalen Gedächtnis des Einzelnen. Ein Lied, das man mit fünfzehn Jahren gehört hat, taucht sechzig Jahre später unverändert wieder auf und vermag in einem einzigen Augenblick die Gefühle, Orte und Gesichter einer vergangenen Epoche neu zu entfachen. Dieses einzigartige und unreduzierbare Vermögen zu dokumentieren, zu kontextualisieren und zu feiern — das ist es, worum sich diese Seiten bemühen.

Die 1960er: das Gründungsjahrzehnt

Kein Jahrzehnt hat so tiefe und so dauerhafte Grundlagen gelegt wie die 1960er Jahre. Es ist der Nullpunkt von allem, was folgen sollte: Rock, Pop, Soul, politisch engagierter Folk, Psychedelia, der moderne französische Chanson — all diese Genres finden in den Sixties entweder ihre offizielle Geburtsurkunde oder ihre definitive Durchsetzung.

Die Britische Invasion, getragen von den Beatles und ihrer historischen Fernsehlandung in den Vereinigten Staaten am 9. Februar 1964 in der Ed Sullivan Show, verteilte die Karten der Weltmusik innerhalb weniger Wochen neu. Zum ersten Mal kehrte der amerikanische Rock’n’Roll in sein Ursprungsland zurück — mit einem Liverpooler Akzent und einem zehnfach gesteigerten künstlerischen Ehrgeiz. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison und Ringo Starr begnügten sich nicht damit, die Charts zu erobern: Sie neudefinieren, was Popmusik anstreben konnte, von She Loves You (1963) bis zum konzeptionellen Monument Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967).

Gleichzeitig schuf das Schwarze Amerika seine reinsten Meisterwerke mit Berry Gordys Motown in Detroit — Stevie Wonder, Marvin Gaye, die Supremes, die Temptations — und der südlichen Soul-Musik von Stax Records mit Otis Redding und Aretha Franklin, deren Respect (1967) zur Hymne der Bürgerrechtsbewegung wurde. Währenddessen verwandelte Bob Dylan den Folk-Song in engagierte Dichtung von literarischem Ehrgeiz, wie er in der Popmusik noch nie dagewesen war, und eröffnete damit einen Weg, den Generationen von Künstlern nach ihm beschreiten sollten.

In Frankreich stellen die 1960er Jahre eine der absoluten Hochzeiten des französischen Chansons dar. Jacques Brel erhob die französische Sprache mit Ne me quitte pas, Amsterdam und Les Bourgeois auf die Gipfel der Tragödie und Schönheit. Serge Gainsbourg provozierte und erfand, Françoise Hardy verzauberte mit ihrer Melancholie die ganze Welt, Johnny Hallyday elektrisierte die Massen und France Gall gewann den Eurovision Song Contest 1965 mit Gainsbourgs zweideutigem Text. Diese Generation schuf ein musikalisches Erbe von so außerordentlichem Reichtum, dass die ganze Welt es noch immer bewundert.

Das Jahrzehnt schloss mit dem absoluten Symbol einer ganzen Generation: dem Woodstock-Festival (15.–18. August 1969), wo sich 400.000 Menschen auf einer Farm im Bundesstaat New York versammelten, um einen Moment der Musik, des Friedens und der kollektiven Utopie zu erleben, den die Geschichte nie wieder reproduzieren konnte. Jimi Hendrix spielte The Star-Spangled Banner bei Tagesanbruch des letzten Tages — einer der machtvollsten Momente der gesamten Musikgeschichte.

Die 1970er: das Zeitalter kreativer Vielfalt

Als Erben der Sechziger und ihrer teilweise enttäuschten Utopien waren die 1970er Jahre ein Jahrzehnt prodigiöser kreativer Vielfalt. Der Rock fragmentierte sich in eine Galaxie von Subgenres: der Hard Rock und das aufkeimende Heavy Metal von Led Zeppelin, Black Sabbath und Deep Purple; der Progressive Rock von Pink Floyd, Genesis und Yes; der Glam Rock von David Bowie alias Ziggy Stardust und T. Rex; das verheerende Punk der Sex Pistols und der Clash als Reaktion gegen alles Vorangegangene.

Disco eroberte die Tanzflächen der ganzen Welt, getragen von den Bee Gees und dem Soundtrack von Saturday Night Fever (1977), von Donna Summer und Gloria Gaynor (I Will Survive, 1978), vom Casablanca-Label und den Spiegelwänden der Diskotheken. Gleichzeitig schuf Stevie Wonder zwischen 1972 und 1976 die erstaunlichste Albumreihe, die je ein einziger Künstler vollbracht hat: Talking Book, Innervisions, Fulfillingness’ First Finale und Songs in the Key of Life.

ABBA eroberte den Planeten buchstäblich von Schweden aus, Queen erfand den Stadionrock und die kollektive Hymne mit Bohemian Rhapsody (1975), und auf Jamaika trug Bob Marley den Reggae und die Rastafari-Philosophie zu Weltpublikum, das dadurch für immer verändert wurde.

In Frankreich erlebten die 1970er Jahre das Aufkommen einer neuen Generation: Michel Sardou, Francis Cabrel, Alain Souchon, Maxime Le Forestier und die Gruppe Téléphone setzten einen französischen Rock und Autorenpop durch, der künstlerischen Ehrgeiz mit Publikumserfolg versöhnte. Claude François und Cerrone hoben die Made-in-France-Disco auf Höhen der Erfindungsgabe und Eleganz.

Die 1980er: die elektronische und visuelle Revolution

Die 1980er Jahre waren die Dekade einer doppelten Revolution: zunächst einer technologischen, als das Aufkommen des digitalen Synthesizers, der Drummaschine und des Samplers die Werkzeuge der Musikproduktion von Grund auf neugestalteten; dann einer visuellen, als die Einführung von MTV am 1. August 1981 das Musikvideo zur eigenständigen Kunstform erhob und das äußere Erscheinungsbild eines Künstlers zu einem wesentlichen Bestandteil seiner kommerziellen Identität machte.

Michael Jackson regierte das Jahrzehnt so, wie kein Künstler jemals die globale Musikbühne regiert hatte. Sein Album Thriller (1982) ist nach wie vor das meistverkaufte Musikalbum aller Zeiten; das gleichnamige Musikvideo, das John Landis mit einem Budget von 500.000 Dollar inszenierte, setzte die Standards des Formats für die drei folgenden Jahrzehnte neu. Madonna revolutionierte den weiblichen Pop, Prince fusionierte alle Genres mit atemberaubender Virtuosität und Whitney Houston erhob die Stimmkraft zum Maßstab des Mainstreamerfolgs.

Das Jahrzehnt sah auch den Aufstieg des Hip-Hop zum globalen kommerziellen Phänomen mit Run-D.M.C., den Beastie Boys und Public Enemy. New Wave und Synthpop — Depeche Mode, New Order, Duran Duran, Tears for Fears, a-ha — definierten eine kühle, elektronische und melancholische Ästhetik, die die zeitgenössische Musikproduktion bis heute beeinflusst. Und in Frankreich setzten Mylène Farmer, Indochine und Jeanne Mas einen französischen Pop der neuen Generation durch, der durch bemerkenswerten Ehrgeiz und Eigenständigkeit geprägt war.

Das Live-Aid-Konzert (13. Juli 1985), das gleichzeitig in London und Philadelphia zur Bekämpfung der Hungersnot in Äthiopien veranstaltet wurde, erreichte drei Milliarden Fernsehzuschauer weltweit und gilt als das größte Konzert der Geschichte. Der Auftritt von Queen an jenem Abend wird allgemein als die beste je gefilmte Bühnendarbietung betrachtet.

Die 1990er: Grunge, Hip-Hop und Globalisierung

Die 1990er Jahre begannen mit einer kulturellen Detonation: die Veröffentlichung von Nirvanas Nevermind (September 1991) und die Single Smells Like Teen Spirit läuteten das Ende des Hair Metal und des synthetischen Pops der Achtziger ein und katapultierten den Grunge aus Seattle an die Weltspitze. Kurt Cobain wurde, trotz sich selbst, zur Ikone einer ganzen Generation — bevor sein tragischer Tod im April 1994 im Alter von 27 Jahren die Welt in eine kollektive Trauer stürzte, wie sie seit Lennons Tod nicht mehr erlebt worden war.

Währenddessen trat der Hip-Hop in das ein, was Fachleute einstimmig als sein Goldenes Zeitalter bezeichnen. Die Rivalität zwischen The Notorious B.I.G. (Ostküste) und Tupac Shakur (Westküste) strukturierte das Jahrzehnt und verlieh ihm seine tragische Dimension. Nas veröffentlichte Illmatic (1994), Lauryn Hill gewann 1999 fünf Grammy Awards mit The Miseducation of Lauryn Hill, und in Frankreich hoben IAM, NTM und MC Solaar den frankophonen Rap auf ein beispielloses Niveau internationaler Anerkennung.

Britpop antwortete dem amerikanischen Grunge mit der Arroganz und Melodie von Oasis, der Raffinesse von Blur und der gesellschaftlichen Ironie von Pulp. Elektronische Musik explodierte durch die europäische Rave-Kultur, getragen von Daft Punk und dem French Touch, Massive Attack und dem Bristoler Trip-Hop, The Chemical Brothers und dem Londoner Big Beat. Und gegen Ende des Jahrzehnts löste Napster — im Juni 1999 von einem 19-jährigen Studenten ins Leben gerufen — die Revolution des kostenlosen Musikaustauschs aus, die die Musikindustrie für immer verändern sollte.

Die 2000er: das Zeitalter der aufkommenden Digitalisierung

Die 2000er Jahre standen unter dem doppelten Zeichen von Krise und Kreativität. Zunächst die Krise: Der Einbruch der Verkäufe physischer Tonträger — beschleunigt durch illegale Downloads und dann durch Apples iTunes Music Store (2003) — schwächte eine Branche strukturell, die seit der Erfindung des Phonographen keine derart tiefen Erschütterungen mehr erlebt hatte. Dann die Kreativität: Noch nie zuvor hatten so viele Künstler aus so unterschiedlichen Kontexten mit solcher Vitalität in den Weltcharts koexistiert.

Eminem dominierte das Jahrzehnt dank seiner technischen Virtuosität und astronomischen Verkaufszahlen. Beyoncé setzte sich als neue Königin des globalen Pops durch, Amy Winehouse revolutionierte den britischen Soul mit Back to Black (2006), und Kanye West erfand die Hip-Hop-Produktion mit einer Trilogie von Alben außergewöhnlichen künstlerischen Ehrgeizes neu. Coldplay, Arctic Monkeys und The Strokes hielten die Flamme des britischen und amerikanischen Alternativrocks mit neuem Elan und frischer Energie am Leben.

Das Jahrzehnt erlebte auch die weltweite Explosion des Reggaeton mit Daddy Yankee und seinem Gasolina (2004) — das erste Signal einer Dominanz spanischsprachiger Musik, die mit jedem Jahrzehnt wachsen sollte. YouTube, 2005 gestartet und ein Jahr später von Google übernommen, begann die Karten der globalen Musikdistribution neu zu verteilen und antizipierte die Streaming-Welt, die sich in den 2010er Jahren durchsetzen sollte.

Die 2010er: der Triumph des Streamings

Die 2010er Jahre besiegelten den endgültigen Sieg des Streamings über alle anderen Formen des Musikkonsums. Spotify, 2011 in den USA gestartet, setzte sich als weltweite Referenzplattform mit über 230 Millionen Nutzern bis zum Ende des Jahrzehnts durch. Musik wurde vollständig, sofort, überall und zum Preis eines bescheidenen Monatsabonnements zugänglich.

Adele brach sämtliche Verkaufsrekorde mit entwaffnender Aufrichtigkeit — 21 (2011) und 25 (2015) zählen zu den meistverkauften Alben des Jahrhunderts. Kendrick Lamar erhob den Hip-Hop zu einer beispiellosen literarischen Würde, die 2018 mit dem Pulitzer-Preis für Musik für das Album DAMN. (2017) belohnt wurde — ein absolutes Novum für einen Künstler der Popmusik. Beyoncé redefinierte das Album als totalen politischen und künstlerischen Akt mit Lemonade (2016). Und Stromae aus Belgien etablierte das Französische als Sprache des globalen Pop.

Das Jahrzehnt erlebte auch die weltweite Explosion des K-Pop mit BTS und Blackpink, die Etablierung des nigerianischen Afrobeats mit Wizkid und Burna Boy sowie den endgültigen Triumph des Reggaeton mit Despacito (2017) von Luis Fonsi und Daddy Yankee — dem meistgestreamten Titel in der Geschichte von YouTube. In Frankreich wurde Aya Nakamura zur weltweit führenden frankophonen Künstlerin, Orelsan bestätigte seinen Status als Gesamtkünstler und PNL erfand eine Form des melancholischen, poetischen Trap, die auf der Welt einzigartig ist.

Die 2020er: globale Musik und KI

Die 2020er Jahre begannen mit einer weltweiten Tragödie: Die COVID-19-Pandemie schloss Konzerthäuser, strich Tourneen ab und entzog Millionen von Musikern ihre Einnahmequellen. Sie entfesselte jedoch gleichzeitig außergewöhnliche kreative Energien: Taylor Swift nahm folklore (2020) und evermore (2020) aus der Ferne auf — zwei Meisterwerke des kontemplativen Indie-Folk, die ihre Fähigkeit zur permanenten Neuerfindung bestätigten.

Das Jahrzehnt kürte Bad Bunny zum meistgestreamten Künstler der Welt für drei aufeinanderfolgende Jahre — und das, obwohl er fast ausschließlich auf Spanisch singt, was in der Geschichte der Weltcharts ohne Präzedenz ist. Afrobeats vollendete seine planetarische Eroberung mit Burna Boy, Wizkid und Tems. Und der Beef zwischen Kendrick Lamar und Drake (Frühjahr 2024) bescherte dem Hip-Hop einen seiner dramatischsten Momente seit der Tupac-Biggie-Rivalität der Neunziger.

Den Horizont des Jahrzehntendes bestimmt der Einbruch der generativen Künstlichen Intelligenz in das musikalische Schaffen. Werkzeuge wie Suno und Udio ermöglichen es jedem Nutzer, in Sekundenschnelle einen vollständigen Song zu generieren. Diese Revolution — die tiefgreifendste seit der Erfindung der Schallplatte — wirft grundlegende Fragen über das Wesen der Kunst, den Wert der Authentizität und die Vergütung menschlicher Schöpfer auf, die das laufende Jahrzehnt noch lange nicht beantwortet hat.

Große übergreifende Themen

🎸 Von der Gitarre über den Synthesizer zum Laptop

Die Instrumentalgeschichte der vergangenen sechzig Jahre folgt einer faszinierenden Trajektorie: Die E-Gitarre regierte die Sechziger und Siebziger als tottemisches Instrument von Rock und Soul; die Achtziger sahen den digitalen Synthesizer — vor allem den Yamaha DX7 und die Roland TR-808 — die Karten der Musikproduktion neu verteilen; die Neunziger krönten Sampler und Sequencer zu den zentralen Werkzeugen von Hip-Hop und elektronischer Musik; in den 2000er und 2010er Jahren demokratisierten Laptop und Digital Audio Workstations die Produktion derart, dass das Jugendzimmer eines Teenagers die Bedingungen eines professionellen Studios nachahmen konnte. Im Jahr 2024 begann die KI eigenständig zu komponieren — eine Revolution, deren Konsequenzen noch völlig ungeschrieben sind.

🌍 Das Ende der anglophonen Vorherrschaft

Eine der großen strukturellen Veränderungen dieser sechzig Jahre ist das allmähliche Zurückweichen und schließliche Ende der ausschließlichen Dominanz englischsprachiger Musik in den Weltcharts. 1960 hatte ein nicht-englischsprachiges Lied kaum eine Chance, über seine nationalen Grenzen hinaus Gehör zu finden. 2026 dominiert Bad Bunny Spotify auf Spanisch, BTS auf Koreanisch, Burna Boy auf Yoruba und Pidgin, Aya Nakamura auf Französisch — und alle erreichen beträchtliche Weltpublikum. Diese sprachliche und kulturelle Vielfalt ist eines der positivsten und dauerhaftesten Vermächtnisse der Streaming-Revolution.

🎤 Die weibliche Stimme als kulturelle Transformationskraft

Von Aretha Franklin, die 1967 Respekt einforderte, bis zu Beyoncé, die 2016 das Album in ein feministisches Manifest verwandelte — über Janis Joplin, Madonna, Whitney Houston, Lauryn Hill, Adele und Taylor Swift — waren Frauen in den vergangenen sechzig Jahren die kreativsten und innovativsten Kräfte der Popmusik. Die #MeToo-Bewegung (2017) verlieh diesem Erbe der Emanzipation und Ermächtigung, das das weibliche Songwriting seit seinen ersten Rillen mit sich getragen hatte, eine neue politische und kollektive Resonanz. Lesen Sie unsere Artikel über die 1960er, die 1980er und die 2010er, um die Reichweite dieser weiblichen Präsenz durch die Jahrzehnte zu ermessen.

📺 Vom Transistorradio zum Smartphone: eine Geschichte der Hörformate

Die Art und Weise, wie wir Musik hören, hat sich ebenso stark verändert wie die Musik selbst. Das Transistorradio der Sechziger verlieh der Musik ihre erste populäre Tragbarkeit. Sonys Walkman (1979) machte sie nomadisch und intim. Die CD (1982) schenkte ihr neue Qualität und Haltbarkeit. Der MP3 und die Digitalplayer der 2000er — und dann Apples iPod — dematerialisierten sie. Das Smartphone der 2010er machte sie allgegenwärtig und dauerhaft. Streaming verwandelte sie in einen unbegrenzten On-Demand-Fluss. Jede dieser Revolutionen veränderte das Verhältnis zwischen Hörer und Musik, zwischen Künstler und Publikum, zwischen Werk und Konsum grundlegend.

Frankreich in der Weltmusikgeschichte

Frankreich nimmt in der Weltmusikgeschichte dieser sechs Jahrzehnte einen einzigartigen Platz ein. Kaum ein anderes Land hat in so vielen verschiedenen Genres Künstler von solchem internationalen Format hervorgebracht. Diese Präsenz wird in jedem unserer Spezialartikel detailliert analysiert, doch lohnt es sich, hier ihre großen chronologischen Linien nachzuzeichnen.

Die 1960er schenkten Frankreich Jacques Brel, Georges Brassens, Barbara, Serge Gainsbourg und die gesamte Yéyé-Generation. In den 1970ern etablierten sich Michel Sardou, Francis Cabrel, Alain Souchon und die französische Disco wurde mit Claude François und Cerrone geboren. Die 1980er krönten Mylène Farmer, Indochine, Jeanne Mas und Daniel Balavoine. Die 1990er gehörten dem französischen Rap mit IAM, NTM und MC Solaar, aber auch Céline Dion — québécois von Geburt, aber universell als Frankophon wahrgenommen — und der elektronischen Revolution von Daft Punk.

In den 2000ern veröffentlichte Diam’s das meistverkaufte französische Album des Jahrzehnts, Grand Corps Malade erfand den populären Poesieslam und David Guetta wurde zu einem der berühmtesten DJs der Welt. Die 2010er gehörten Stromae und seinem Papaoutai, das um die Welt ging, sowie Orelsan und Aya Nakamura — deren Titel Djadja (2018) zum meistgestreamten frankophonen Titel aller Zeiten wurde. Und in den 2020ern wurde Aya Nakamuras Präsenz auf der olympischen Bühne der Pariser Spiele 2024 vor drei Milliarden Fernsehzuschauern zum mächtigen Symbol eines musikalisch vielfältigen, lebendigen und weltzugewandten Frankreichs besiegelt.

Weltmusik: vom Rand in den Mainstream

Eine der tiefgreifendsten Entwicklungen dieser sechs Jahrzehnte ist die schrittweise Anerkennung und schließliche Dominanz der Weltmusik in den globalen Charts. In den 1960ern stellte die brasilianische Bossa Nova — mit João Gilberto, Astrud Gilberto und Garota de Ipanema — den ersten großen Durchbruch einer nicht-englischsprachigen Musik in den westlichen Charts dar. Kongolesische Rumba, jamaikanischer Ska und die indische Musik von Ravi Shankar erreichten ein begrenztes, aber leidenschaftliches Publikum.

In den 1970ern überwand Bob Marleys Reggae endlich Jamaikas Grenzen und trug die Botschaften der Rastafari-Philosophie in die Welt. Die 1980er sahen die offizielle Prägung des Begriffs World Music (1987) und die Integration von Youssou N’Dour, Salif Keita und den Gipsy Kings in die Kataloge westlicher Majorlabels. Die 1990er sahen den algerischen Raï von Khaled, karibischen Zouk und lateinamerikanische Cumbia immer größere Weltpublika gewinnen.

Aber in den 2000ern und 2010ern vollzog sich die Revolution wirklich: Reggaeton wurde mit Daddy Yankee zum globalen Genre, koreanischer K-Pop eroberte jeden Kontinent mit BTS und Blackpink, nigerianisches Afrobeats setzte sich an die Chartspitze mit Wizkid, Burna Boy und Davido. Und in den 2020ern bewiesen Bad Bunny, Karol G und Rosalía, dass Spanisch nun gleichberechtigt mit Englisch — wenn nicht sogar mehr — die Sprache des globalen Pop ist.

Das Musikvideo: eine Kunstform des 20. und 21. Jahrhunderts

Die Geschichte des Musikvideos ist untrennbar mit der Geschichte der audiovisuellen Massenmedientechnologien verbunden. In den 1960ern gab es das Format noch nicht: Die Beatles erfanden den Promotional Film mit ihren Kurzfilmen zu Strawberry Fields Forever und Penny Lane (1967) — die direkten Vorläufer des modernen Musikvideos. Gefilmte Konzerte — Woodstock (1969), D.A. Pennebakers Dokumentarfilm über Dylan — stellen das wertvollste audiovisuelle Archiv der Epoche dar.

In den 1970ern schufen Queen mit Bohemian Rhapsody (1975) das erste cineastische Musikvideo mit großer Fernsehwirkung, das im Top of the Pops anstelle eines Live-Auftritts ausgestrahlt wurde. Dann, am 1. August 1981, startete MTV seinen Betrieb mit der Ausstrahlung von Video Killed the Radio Star der Buggles: eine totale Revolution begann.

In den 1980ern wurde das Musikvideo zur großen Kunstform: Michael Jacksons Thriller (14 Minuten, Regie John Landis, Budget 500.000 Dollar) setzte die Standards des Genres für eine ganze Generation neu. Die 1990er waren das goldene Zeitalter des Musikvideos als Kunstform, mit Regisseuren wie Spike Jonze, Michel Gondry, Mark Romanek und Hype Williams, die Werke von absoluter Erfindungsgabe schufen. Die 2000er sahen YouTube sukzessive MTV als primären Verbreitungsraum ablösen. Und in den 2010ern und 2020ern erfand sich das Musikvideo neu — zwischen TikToks Kurzformaten, Beyoncés ehrgeizigen Visualfilmen und mit höchsten cinematografischen Mitteln gefilmten Konzertevents.

Fazit: sechzig Jahre Popmusik

Am Ende dieser enzyklopädischen Reise durch sieben Jahrzehnte globalen Musikschaffens drängen sich einige Gewissheiten auf. Die erste ist, dass Popmusik von 1960 bis 2026 die universellste, demokratischste und politisch machtvollste Kunstform war, die die Menschheit hervorgebracht hat. Keine andere Ausdrucksform hat so viele Menschen, so verschieden voneinander, so gleichzeitig berührt.

Die zweite Gewissheit ist, dass jedes Jahrzehnt Werke hervorgebracht hat, deren künstlerischer Wert der Bewährungsprobe der Zeit vollkommen standhält. Sgt. Pepper’s der Beatles, Songs in the Key of Life von Stevie Wonder, Thriller von Michael Jackson, Nevermind von Nirvana, The Miseducation of Lauryn Hill, Random Access Memories von Daft Punk, To Pimp a Butterfly von Kendrick Lamar, Un Verano Sin Ti von Bad Bunny — lauter Meilensteine, die von einer ununterbrochenen kreativen Vitalität von Generation zu Generation zeugen.

Die dritte und letzte Gewissheit ist, dass die Geschichte weitergeht. Die Musik der 2020er ist nicht das Ende eines Zyklus, sondern der Beginn einer neuen Revolution, von der wir erst die ersten Signale erahnen können. Künstliche Intelligenz, immersive Realität, algorithmisch generierte Musik, holografische Konzerte — Möglichkeiten, die eine Musiklandschaft des Jahres 2030 skizzieren, die noch weitgehend unvorhersehbar ist, aber gewiss ebenso reich und ebenso bewegend wie die sechzig Jahre, die ihr vorangehen.

Um jedes Jahrzehnt vertieft zu erkunden, lesen Sie unsere ausführlichen Artikel: 1960er, 1970er, 1980er, 1990er, 2000er, 2010er und 2020er.