Einleitung

Die 1960er Jahre sind zweifellos das revolutionärste Jahrzehnt in der Geschichte der modernen Popularmusik. In nur zehn Jahren veränderte sich die Musik in ihrem Wesen, ihrer Funktion und ihrem Anspruch: Aus einer verhältnismäßig kodifizierten und genormten Unterhaltungsform wurde eine Gesamtkunst — ein Vehikel des politischen Engagements, ein Spiegel gesellschaftlicher Erschütterungen und eine Kraft des kulturellen Wandels, deren Echo noch sechs Jahrzehnte später spürbar ist. Nahezu alle Musikgenres, die heute die globale Szene beherrschen, haben ihre Wurzeln direkt in diesem außergewöhnlichen Jahrzehnt.

Es ist das Jahrzehnt der Beatles — die im Alleingang neu definieren, was Popularmusik sein, aussagen und bewirken kann. Es ist das Jahrzehnt von Bob Dylan, der den Song in Dichtung und die Akustikgitarre in eine politische Waffe verwandelt. Es ist das Jahrzehnt von Motown und der Soul Music, die dem schwarzen Amerika eine planetarische Stimme von unvergleichlicher Würde und Kraft verleihen. Es ist das Jahrzehnt von Jimi Hendrix, der die physischen Grenzen der E-Gitarre in niemals zuvor vorgestellte Territorien treibt. Und in Frankreich ist es das Jahrzehnt von Jacques Brel, Serge Gainsbourg und der Yéyé-Generation, die die Chanson française als eine der großen musikalischen Literaturen der Welt etabliert.

Historischer und kultureller Kontext

Die 1960er Jahre vollziehen sich vor dem Hintergrund einer Welt in tiefem Aufruhr. Der Kalte Krieg befindet sich auf seinem Höhepunkt zwischen den Vereinigten Staaten und der Sowjetunion, und die Kubakrise (1962) lässt einen unmittelbaren Atomkrieg befürchten. Der Vietnamkrieg, in den die USA ab 1965 massiv eingreifen, löst einen beispiellosen Widerstand unter der amerikanischen und westlichen Jugend aus, die in der Musik ihre mächtigste und universellste Ausdrucksform findet. Gleichzeitig verändert die Bürgerrechtsbewegung — angeführt von Martin Luther King Jr. bis zu seiner Ermordung 1968 — die amerikanische Gesellschaft in ihrem Kern und nährt eine Soul Music von beispielloser politischer und emotionaler Tiefe.

Die Ermordung von Präsident Kennedy (22. November 1963) erschüttert das Vertrauen einer ganzen Generation in ihre Institutionen. Rassenunruhen, die Explosion der Hippie-Bewegung und die sexuelle Revolution beschleunigen eine radikale Infragestellung der Traditionswerte. In dieser Atmosphäre des vermengten Aufbegehrens und der Hoffnung gewinnt die Musik der 1960er ihre volle Bedeutung: Sie ist zugleich das Symptom und das Heilmittel, der Ausdruck der Unordnung und das Versprechen einer neuen Welt.

„The times they are a-changin’.” — Bob Dylan, 1964. Worte, die eine ganze Epoche zusammenfassen und die die New York Times fünfzig Jahre später als die prophetischsten Verse des zwanzigsten Jahrhunderts bezeichnen sollte.

Auf technologischer Ebene sieht das Jahrzehnt die Durchsetzung der Stereo-LP, die das Album in ein autonomes Kunstobjekt verwandelt, und den Aufstieg der E-Gitarre als zentrales Instrument der weltweiten Popularmusik. Die Erfindung der Mehrspur-Bandmaschine durch die Ingenieure der Studios Abbey Road, Columbia und Stax ermöglicht Produzenten und Künstlern die Erkundung völlig neuer Klangmöglichkeiten und begründet eine Ära, in der die Musikproduktion selbst zur Kreativkunst wird.

Die Beatlemania und die British Invasion

Kein Musikereignis des zwanzigsten Jahrhunderts hatte eine so plötzliche, so massive und so dauerhafte Wirkung wie die Ankunft der Beatles in den Vereinigten Staaten im Februar 1964. Ihr Auftritt in der Sendung The Ed Sullivan Show wurde von 73 Millionen amerikanischen Zuschauern verfolgt — mehr als 40 % der Bevölkerung des Landes. Innerhalb weniger Wochen belegt das Liverpooler Quartett — John Lennon, Paul McCartney, George Harrison und Ringo Starr — gleichzeitig die fünf ersten Plätze des Billboard Hot 100, ein absoluter Rekord, der seither nie wieder erreicht worden ist. Die Beatlemania war geboren — ein Phänomen kollektiver Hysterie, das alle großen Fan-Kultur-Ereignisse der folgenden Jahrzehnte vorwegnimmt.

Doch die Bedeutung der Beatles übertrifft ihren kommerziellen Erfolg bei weitem. In sieben Jahren offizieller Existenz (1962–1970) entwickelte sich die Gruppe von einem eingängigen und überschwänglichen Beat-Pop — She Loves You, I Want to Hold Your Hand — zu einer künstlerischen Verfeinerung ohne Präzedenz in der Popularmusik. Das Album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), das häufig als das größte Rockalbum der Geschichte bezeichnet wird, stellt den Höhepunkt dieser Entwicklung dar: Als konzeptuelles Werk mit totaler kreativer Freiheit im Studio aufgenommen, läutet es eine neue Ära für das Album als eigenständige Kunstform ein. Revolver (1966) und Abbey Road (1969) vervollständigen diesen Olymp mit einer absolut einzigartigen Kohärenz und Reichtum.

Im Fahrwasser der Beatles fegt die British Invasion über Amerika und die gesamte Welt hinweg: die Rolling Stones, das gefährliche und sexuell provozierende Alter Ego der Fab Four, The Who, The Kinks, The Animals, The Dave Clark Five und Dusty Springfield bilden eine britische Generation, die die weltweiten Charts das gesamte Jahrzehnt über beherrscht und die Ästhetik des weltweiten Rocks dauerhaft umformt.

🎸 Die Rolling Stones und die dunkle Seite des Rock

1962 in London von Mick Jagger, Keith Richards und Brian Jones gegründet, bieten die Rolling Stones eine rauere, bluesigere und bedrohlichere Alternative zum lächelnden Glamour der Beatles. Ihr Repertoire der 1960er — von Satisfaction (1965), der Hymne der jugendlichen Frustration, bis zu Sympathy for the Devil (1968), einer Rockreflexion über die Geschichte des Bösen — zeichnet das Gesicht eines erwachsenen, existenziellen und moralisch ambivalenten Rocks, den die folgenden Jahrzehnte nicht aufhören sollten zu erkunden.

Motown, Soul und das schwarze Amerika

Das 1959 in Detroit von Berry Gordy gegründete Label Motown Records stellt eines der außergewöhnlichsten unternehmerischen und künstlerischen Abenteuer in der amerikanischen Musikgeschichte dar. Seine Formel — unwiderstehliche Pop-Melodien, getragen von Stimmen von außergewöhnlicher Kraft und Anmut, raffinierte Orchesterarrangements und eine bis ins kleinste Detail durchdachte Produktion — erlaubt es der schwarzen amerikanischen Musik, ein konservatives weißes Publikum in einem noch tief gespaltenen Amerika zu erobern. Gordy selbst theoretisierte diese Strategie: Musik für jeden Amerikaner zu schaffen.

Das Motown-Katalog der 1960er ist schlicht und ergreifend atemberaubend. Stevie Wonder, ein blindes Wunderkind, das 1962 mit zwölf Jahren entdeckt wurde, Marvin Gaye mit seiner unvergleichlichen stimmlichen Sinnlichkeit, die Temptations mit ihrer fünfstimmigen Vokalharmonie, die Supremes unter der Führung der unwiderstehlich charismatischen Diana Ross, The Four Tops und Martha and the Vandellas bilden eine Galaxie von Künstlern von einem Reichtum, der in der Geschichte eines einzigen Labels seinesgleichen sucht.

Parallel zu Motown blüht die Soul Music in Memphis, Tennessee, rund um das Label Stax Records und seine Leitfiguren auf: Otis Redding, dessen raue und zerreißende Stimme den Soul in seiner ganzen brennenden Wahrheit verkörpert, Sam and Dave und Wilson Pickett. In New York etabliert sich Aretha Franklin — die „Königin des Soul”, 1967 mit Respect und Chain of Fools dem breiten Publikum enthüllt — als die größte Stimme ihrer Generation und die musikalische Verkörperung der Bürgerrechtsbewegung.

Das Folk Revival und Bob Dylan

Die 1960er sehen die Entfaltung einer mächtigen Folk-Revival-Bewegung in den Vereinigten Staaten, die in der Tradition des amerikanischen Protestliedes verwurzelt und von den sozialen und politischen Spannungen des Jahrzehnts genährt wird. Das New Yorker Viertel Greenwich Village ist ihr Epizentrum: In Cafés und kleinen Clubs erfindet eine Generation junger Liedermacher das Akustiklied als Instrument des sozialen Protests neu.

Bob Dylan setzt sich schnell als die unbestrittene Zentralfigur dieser Bewegung durch. Bereits auf seinem zweiten Album, The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), demonstriert er eine lyrische Schreibfähigkeit, die in der Popularmusik völlig beispiellos ist: Blowin’ in the Wind wird zur Hymne der weltweiten Friedensbewegung, und The Times They Are a-Changin’ zum Kampfruf des sozialen Protests. 1965 löst seine spektakuläre Konversion zur E-Gitarre — symbolisiert durch seinen umstrittenen Auftritt beim Newport Folk Festival — eine leidenschaftliche Debatte über das Wesen und die Mission der Protestmusik aus, öffnet aber gleichzeitig die Tür zum Folk Rock und einer totalen künstlerischen Freiheit, die seine Alben Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited und Blonde on Blonde (alle drei zwischen 1965 und 1966 veröffentlicht) mit beispielloser Kühnheit erkunden werden.

Im Fahrwasser Dylans definieren Joan Baez, Simon and Garfunkel und The Mamas and the Papas die Konturen eines zugänglichen und melodischen Folk-Pop, der ein beträchtliches Publikum weit über aktivistische Kreise hinaus erreicht.

Psychedelic Rock und Gegenkultur

Ab 1966–1967 vollzieht der Rock unter dem kombinierten Einfluss psychedelischer Drogen — allen voran LSD — und einer beispiellosen intellektuellen und spirituellen Aufbruchsstimmung eine tiefgreifende Mutation hin zu einem Psychedelic Rock, der sich durch experimentelle Klänge, traumhafte Texte und ausgedehnte Musikstrukturen auszeichnet und die Beschränkungen des Radioformats bewusst hinter sich lässt.

Die amerikanische Westküste ist sein Epizentrum: San Francisco wird zur Hauptstadt der globalen Gegenkultur, und das Haight-Ashbury-Viertel zu ihrem pulsierenden Herzen. The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Janis Joplin und Big Brother and the Holding Company verkörpern dieses neue Ideal totaler Freiheit — musikalisch, sexuell und spirituell. Ihre Ereigniskonzerte, die von Ken Kesey und seinen Merry Pranksters organisierten Acid Tests, begründen eine Live-Spektakelkultur, die direkt die großen Rocktourneen der folgenden Jahrzehnte vorwegnimmt.

In London nimmt die psychedelische Bewegung andere Formen an: Pink Floyd, gelenkt vom Genie und der Zerbrechlichkeit von Syd Barrett, eröffnet mit seinen ersten Kompositionen eine Klangerkundung, die den Progressive Rock der 1970er vorwegnimmt. The Doors, belebt durch die dunkle Dichtung und die magnetische Bühnenpräsenz von Jim Morrison, verschmelzen surrealistische Einflüsse, elektrischen Blues und barocke Theatralik zu einem ebenso faszinierenden wie gefährlichen Cocktail.

Die überragende und absolute Leitfigur dieser Periode bleibt Jimi Hendrix: ein begnadeter Gitarrist von unvergleichlicher Virtuosität und Erfindungsgabe, der die physischen und expressiven Grenzen der E-Gitarre in Territorien treibt, die sich niemand je hatte vorstellen können. Seine Interpretation der The Star-Spangled Banner bei Woodstock (August 1969) — ein wahres Klanggedicht über das Amerika im Krieg — bleibt einer der mächtigsten Momente in der gesamten Geschichte der Popularmusik.

🏄 Surf Rock und das sonnige Kalifornien

Als Gegenpol zum dunklen Existenzialismus des Protestrock entwickeln die Beach Boys in Kalifornien einen sonnigen und harmonischen Surf Rock, der Jugend, Strand und Unbeschwertheit feiert. Doch ihr Produzent und Komponist Brian Wilson führt die Gruppe schrittweise zu weitaus ambitionierteren künstlerischen Zielen: Das Album Pet Sounds (1966), ein Meisterwerk orchestraler Texturen und verhaltener Melancholie, beeinflusst die Beatles direkt bei der Konzeption von Sgt. Pepper’s und nimmt die Raffinesse des Pops der folgenden Jahrzehnte vorweg.

Die Chanson française und die Yéyé-Bewegung

Die 1960er stellen für die Chanson française eine absolute Glanzzeit dar, die von gegensätzlichen, aber gleichermaßen faszinierenden ästhetischen und generationellen Strömungen durchzogen wird. Auf der einen Seite erreicht die grande chanson — die von Jacques Brel, Georges Brassens, Léo Ferré und Barbara — in den 1960ern ihre Höhepunkte literarischer Strenge und dramatischer Interpretation; auf der anderen Seite bemächtigt sich eine Generation junger Künstler — die Yéyés — der Energie des angelsächsischen Rocks und verleiht ihm eine entschieden französische Note.

Jacques Brel veröffentlicht in den 1960ern seine herzzerreißendsten Werke: Ne me quitte pas, Amsterdam, Les Bourgeois, La Chanson des vieux amants. Seine Baritonstimme, zugleich sanft und explosiv, sein unvergleichlicher dramatischer Instinkt und sein dichterisches Genie machen ihn zu einem der größten Liedermacher der französischen Sprache. Georges Brassens hingegen verkörpert eine anarchistische, libertäre und zutiefst humanistische Chanson von formaler Meisterschaft und einem Witz, der häufig hinter scheinbarer Schlichtheit verborgen ist.

Die Yéyé-Bewegung — deren Name direkt von den „yeah yeah yeah” der Beatles inspiriert ist — findet ihren Ausdruck in Künstlern wie Johnny Hallyday, Frankreichs erstem Rocker von echter internationaler Statur, Sylvie Vartan, Françoise Hardy — deren Melancholie und dichterische Sensibilität ihr weit über die französischen Grenzen hinaus internationalen Ruhm einbringen — und France Gall, die durch das Duo Serge Gainsbourg/Michel Berger bekannt gemacht wird.

Serge Gainsbourg stellt einen absolut einzigartigen Fall in der französischen Musiklandschaft der 1960er dar: ein Liedermacher von berechneter Sophistiziertheit und Provokation, der das Jahrzehnt durchquert und dabei ständig die Grenzen des Sagbaren und Denkbaren auslotet und damit um ein volles Jahrzehnt die Kühnheiten vorwegnimmt, die sich die internationale Popmusik erst im folgenden Jahrzehnt zu wagen getrauen sollte.

Der Jazz und seine Wandlungen

Für den Jazz sind die 1960er eine Zeit tiefgreifender Veränderungen und kreativer Fragmentierung. Der Hard Bop der 1950er — der von Miles Davis, John Coltrane und Bill Evans — hatte den Jazz bereits in Richtung einer harmonischen und melodischen Verfeinerung geführt, die einen Teil seines traditionellen Publikums zu befremden begann. Die 1960er treiben diese Entwicklung an ihre äußersten Grenzen mit dem Aufkommen des Free Jazz, der tonale, rhythmische und formale Einschränkungen zugunsten totaler Improvisation aufhebt.

Ornette Coleman, mit seinem Gründungsalbum The Shape of Jazz to Come (1959, mit anhaltendem Einfluss in den 60ern), und John Coltrane, dessen Hauptwerk A Love Supreme (1965) zugleich den Gipfel der Jazzkomposition und eine absolut einzigartige spirituelle Suche darstellt, verkörpern zwei komplementäre Gesichter dieser Revolution. Miles Davis, die unaufhörlich innovative Zentralfigur der Epoche, vollzieht bereits am Ende des Jahrzehnts die Wende in Richtung Jazz-Rock, die in den 1970ern mit dem Album Bitches Brew (1970) voll ausbrechen wird.

Künstler und ikonische Persönlichkeiten

Das Jahrzehnt enthüllte oder krönte Künstler, deren Nachwirkung in der Geschichte der Popularmusik schlechthin unvergleichlich ist:

• The Beatles — die einflussreichste Gruppe der Geschichte, Architekten des modernen Pop und Art Rock.
• Bob Dylan — Poet des amerikanischen Liedes, Literaturnobelpreisträger 2016, Gewissen des weltweiten Folk.
• The Rolling Stones — die Enfants terribles des Rock, noch sechs Jahrzehnte nach ihrer Gründung aktiv.
• Aretha Franklin — die Königin des Soul, eine Stimme ohnegleichen, Ikone der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung.
• Jimi Hendrix — der größte E-Gitarrist der Geschichte, Visionär und sonischer Meteor.
• Stevie Wonder — mit 12 Jahren bei Motown entdecktes Wunderkind, ein Genie in ewiger Entwicklung.
• James Brown — der Godfather of Funk and Soul, eine der intensivsten Bühnenpräsenzen der Geschichte.
• Otis Redding — die zerreißende Stimme des Southern Soul, 1967 mit 26 Jahren bei einem Flugzeugabsturz ums Leben gekommen.
• Janis Joplin — die Hohepriesterin des kalifornischen Blues-Rock, mit brennender Authentizität und außergewöhnlicher Stimmgewalt.
• Jacques Brel — der größte Poet der Chanson française des zwanzigsten Jahrhunderts, Dramatiker der Emotionen.
• Serge Gainsbourg — genialer Provokateur, vollständiger Komponist, einzigartige und unersetzliche Figur der französischen Kultur.
• The Beach Boys / Brian Wilson — Erfinder des California Sound und des raffinierten Orchesterpops.

Weltmusik in den 1960er Jahren

Die 1960er sind Schauplatz einer außergewöhnlichen globalen Zirkulation musikalischer Einflüsse. Der jamaikanische Reggae, dem Ska und Rocksteady vorausgegangen waren, wird offiziell um 1968 geboren und trägt den synkopierten Rhythmus der Inseln zu einem Weltpublikum, das ein Jahrzehnt später mit Bob Marley endgültig gewonnen werden sollte. In Brasilien erlebt die Bossa Nova — Ende der 1950er mit João Gilberto und Antônio Carlos Jobim entstanden — ihre internationale Expansion: Garota de Ipanema, 1963 mit der Stimme von Astrud Gilberto aufgenommen, wird zum bekanntesten brasilianischen Song der Welt und einem der meistgecorverten aller Zeiten.

In Westafrika gehen die nationalen Unabhängigkeiten — die sich von 1960 bis 1965 für die meisten Länder des Kontinents in rascher Folge vollziehen — mit einem gewaltigen musikalischen Aufschwung einher. Die kongolesische Rumba von Franco Luambo und seinem TPOK Jazz-Orchester, der ghanaische Highlife und die nigerianische Jùjú Music erblühen im Stolz der neu befreiten Nationen. In Algerien erleben Chaâbi und andalusische Musik eine durch die Unabhängigkeit von 1962 beflügelte Wiedergeburt.

Die indische Musik — und insbesondere das Sitar von Ravi Shankar — übt einen wachsenden Einfluss auf westliche Musiker aus: George Harrison von den Beatles beginnt 1965 mit dem Sitar-Studium und führt mit Norwegian Wood (1965) indische Ragas in den weltweiten Pop ein, was eine anhaltende Faszination für die Spiritualität und Musik Südasiens eröffnet.

Vom Summer of Love bis Woodstock

Der Sommer 1967 — getauft auf den Namen Summer of Love — markiert den Höhepunkt der Hippiebewegung. In San Francisco strömen Zehntausende junger Menschen in das Haight-Ashbury-Viertel und tragen eine Botschaft des Friedens, der Liebe und der Freiheit, die um die Welt hallt. Das Monterey Pop Festival (Juni 1967) ist ihr vollendetstes musikalisches Ausdrucksmittel und enthüllt Jimi Hendrix, Janis Joplin und The Who einem weltweiten Publikum zum ersten Mal.

Zwei Jahre später, vom 15. bis 18. August 1969, versammelt das Woodstock-Festival auf einer Farm im Bundesstaat New York mehr als 400.000 Menschen rund um ein außergewöhnliches Musikprogramm: Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who, Jefferson Airplane, Creedence Clearwater Revival, Joan Baez, Santana, Country Joe and the Fish und Dutzende weitere Künstler nehmen teil an dem, was im kollektiven Weltgedächtnis das absolute Symbol einer Generation bleibt, die einige Tage und Nächte lang glaubte, die Welt allein durch die Kraft der Musik verändern zu können.

Das Ende des Jahrzehnts sieht auch die fortschreitende Auflösung des Hippietraums: die Überdosis von Brian Jones von den Rolling Stones (Juli 1969), die Morde auf der Manson-Ranch (August 1969) und das Desaster des Altamont-Festivals (Dezember 1969 — bei dem ein Zuschauer vor der Bühne während des Rolling-Stones-Konzerts getötet wird) signalisieren das Ende einer Utopie und den Eintritt in ein dunkleres und desillusioniertes Jahrzehnt.

Vermächtnis und bleibender Einfluss

Das Vermächtnis der 1960er ist schlicht und ergreifend das Fundament, auf dem die gesamte weltweite Popularmusik der folgenden sechzig Jahre aufgebaut worden ist. Rock, Pop, Soul, Funk, Folk, Jazz-Rock, Weltmusik — all diese Genres haben ihre Wurzeln direkt in den Experimenten und Revolutionen dieses außergewöhnlichen Jahrzehnts. Die Alben der Beatles verkaufen sich noch immer jedes Jahr millionenfach, sechs Jahrzehnte nach ihrer Veröffentlichung. Bob Dylan, 2016 mit dem Literaturnobelpreis ausgezeichnet, gilt als der größte Poet des weltweiten Popularliedes.

Die 1960er legten auch das Fundament für eine Konzeption von Musik als totalem Engagement — künstlerisch, politisch, spirituell und menschlich. Die Idee, dass Musik die Welt verändern kann, dass sie mehr als Unterhaltung sein kann, dass sie das kollektive Gewissen einer Generation ansprechen kann: Dies ist ein Erbe, das Marvin Gaye in den 1970ern fortgeführt, das Bob Marley auf Jamaika getragen, das Public Enemy in den 1980ern und 90ern übertragen hat und das Kendrick Lamar noch heute verkörpert.

Schließlich bilden die Songs der 1960er vielleicht das universellste Karaoke-Repertoire, das es gibt: Ganze Generationen in allen Ländern der Welt kennen die Texte von Hey Jude, Let It Be, Respect, Mr. Tambourine Man oder La Bamba auswendig. Dieses lebendige und unzerstörbare Erbe ist das schönste Zeugnis dafür, was ein einziges Musikjahrzehnt der gesamten Menschheit hinterlassen kann.