Einleitung

Die Musik der 2010er Jahre gehört zu einer Welt, die definitiv vernetzt, globalisiert und in unendliche Nischen aufgespalten ist. Zum ersten Mal in der Geschichte der Popularmusik kann ein Künstler, der in Seoul, Lagos oder São Paulo ausgebildet wurde, binnen weniger Tage gleichzeitig die Charts von Paris, Tokio, New York und Buenos Aires erobern — ohne jemals in einer dieser Städte gewesen zu sein. Diese durch Streaming und soziale Netzwerke ermöglichte sofortige Universalisierung stellt den tiefgreifendsten Wandel in der Musikdistribution seit der Erfindung des Tonträgers dar.

Künstlerisch ist das Jahrzehnt reich an Meisterwerken und außergewöhnlichen Persönlichkeiten. Adele bricht alle Verkaufsrekorde mit einer entwaffnenden Aufrichtigkeit. Kendrick Lamar erhebt Hip-Hop zu einem noch nie dagewesenen literarischen Rang, der 2018 mit dem Pulitzer-Preis gewürdigt wird — ein absolutes Novum für einen Künstler der Popularmusik. Beyoncé definiert das Album als totalen politischen und künstlerischen Akt mit Lemonade (2016) neu. Stromae etabliert das Französische als Sprache des globalen Pops. Und Billie Eilish, am Ende des Jahrzehnts mit 17 Jahren entdeckt, kündigt die Ankunft einer neuen Generation an, die mit dem Internet und den sozialen Netzwerken aufgewachsen ist und dem traditionellen Musikestablishment nichts mehr beweisen muss.

Historischer und kultureller Kontext

Die 2010er Jahre entfalten sich vor dem Hintergrund einer Reihe großer politischer und sozialer Erschütterungen weltweit. Der Arabische Frühling (2010–2012), die Bewegungen Occupy Wall Street und Black Lives Matter (letztere 2013 nach dem Tod von Trayvon Martin ins Leben gerufen), das Brexit-Votum (2016) und die Wahl von Donald Trump (2016) zeichneten die westliche politische Landschaft neu und nährten eine immer stärker engagierte, oppositionelle und identitätsbewusste Musik. Fragen von Rasse, Geschlecht, sexueller Orientierung und kultureller Zugehörigkeit durchzogen das musikalische Jahrzehnt mit einer Intensität, die seit den 1960er Jahren nicht mehr zu spüren gewesen war.

Die #MeToo-Bewegung, die im Oktober 2017 nach den Enthüllungen über den Produzenten Harvey Weinstein ans Licht kam, erschütterte die Musik- und Kulturindustrie zutiefst und verlieh den Liedern der weiblichen Ermächtigung — die Künstlerinnen wie Beyoncé, Rihanna und Taylor Swift seit Beginn des Jahrzehnts aufgebaut hatten — eine neue Resonanz. Musik wurde zu einem Raum des Widerstands, der Forderung und der Feier marginalisierter Identitäten mit einer in der jüngeren Geschichte beispiellosen Kraft.

« Music, at its best, is the sound of its time. » — Diese Wahrheit, von Kritikern unermüdlich wiederholt, findet in den 2010er Jahren eine besonders eindrückliche Illustration: Selten war ein musikalisches Jahrzehnt so eng mit den politischen und sozialen Erschütterungen seiner Zeit verknüpft.

Die Demokratisierung der Musikproduktionswerkzeuge — Software wie GarageBand, Logic Pro und FL Studio, die auf einem einfachen Laptop zugänglich sind — ermöglichte einer ganzen Generation von autodidaktischen Produzenten, ihre Musik ohne Label oder professionelles Studio zu schaffen und zu verbreiten. Billie Eilish nahm ihr erstes Weltalbum, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019), im Schlafzimmer ihres Bruders in Los Angeles auf. Diese emblematische Tatsache veranschaulicht besser als jede andere die radikale Demokratisierung professioneller Musikproduktion.

Das Streaming-Zeitalter: Spotify, YouTube, Algorithmen

Das Jahrzehnt ist vor allem das des endgültigen Sieges des Streamings über alle anderen Formen des Musikkonsums. Spotify, 2006 in Schweden gegründet, aber erst 2011 in den USA gestartet, setzte sich nach und nach als weltweite Referenzplattform durch. Im Jahr 2019 zählte es mehr als 230 Millionen aktive Nutzer in 79 Ländern, darunter 108 Millionen zahlende Abonnenten. Musik war nun vollständig, sofort und überall verfügbar — für den Preis eines monatlichen Abonnements, das günstiger war als eine einzige CD.

Dieser tiefgreifende Wandel mischte die Karten der Musikindustrie neu. Die Einnahmen unabhängiger Künstler stiegen dank der einfachen digitalen Verteilung über Aggregatoren wie DistroKid und TuneCore. Das Wirtschaftsmodell des Streamings löste jedoch intensive Debatten über die faire Vergütung der Kreativen aus: Ein Spotify-Abruf generiert im Durchschnitt weniger als einen Cent für den Künstler und erfordert Dutzende von Millionen Streams, um ein bedeutendes Einkommen zu erzielen. Große Künstler passten sich an, indem sie Konzerte, Welttourneen und Merchandise in den Mittelpunkt ihrer Einnahmequellen stellten.

YouTube blieb mit über zwei Milliarden Nutzern der wichtigste Raum für musikalische Entdeckungen weltweit. Der Empfehlungsalgorithmus der Plattform spielte eine immer größere Rolle bei der Entstehung von Erfolgen: Er konnte einen unbekannten Künstler in wenigen Wochen zu weltweitem Ruhm katapultieren. Das Musikvideo von Psy, Gangnam Style (2012), das erste mit über einer Milliarde Aufrufen auf YouTube, verkörpert dieses planetarische Viralpotenzial geradezu perfekt. Ende des Jahrzehnts begann TikTok — 2018 international gestartet — YouTube als Vektor zur Musikentdeckung ernsthaft Konkurrenz zu machen und kündete eine neue Revolution der Konsumgewohnheiten an.

Der globale Pop, zwischen Grandeur und Intimität

Die 2010er Jahre waren von einer fruchtbaren kreativen Spannung im Pop geprägt: auf der einen Seite die Produktion großer anthemischer Spektakel für Stadien — kollektive Hymnen, getragen von unvergesslichen Melodien und üppigen Produktionen —, auf der anderen eine wachsende Sehnsucht nach Authentizität, Intimität und emotionaler Verletzlichkeit.

Adele verkörpert dieses Paradox besser als jeder andere: Ihre Stimme von seltener Kraft, ihre autobiografischen Texte von entwaffnender Aufrichtigkeit und ihre nüchternen Produktionen ermöglichten es ihr, in einer vom Streaming dominierten Ära Dutzende von Millionen Alben zu verkaufen. 21 (2011) und 25 (2015) zählen zu den meistverkauften Alben des 21. Jahrhunderts. Ed Sheeran, ausgestattet mit nichts als einer akustischen Gitarre und einem Loopboard, eroberte weltweit Stadien mit einer verheerend wirksamen Folk-Pop-Formel. Sein Album ÷ (Divide, 2017) brach in seiner ersten Veröffentlichungswoche mehrere globale Streaming-Rekorde.

Taylor Swift vollzog in den 2010er Jahren eine der spektakulärsten künstlerischen Entwicklungen des Jahrzehnts: vom Country-Pop von Fearless (2008) über den eisigen Synth-Pop von 1989 (2014) bis zum nächtlichen Indie-Folk von folklore (2020) — sie bewies eine Fähigkeit zur permanenten Neuerfindung, während sie gleichzeitig eine einzigartige emotionale Verbindung zu Millionen von Fans aufrechterhielt. Katy Perry, Lady Gaga und Ariana Grande — dem breiteren Publikum 2013 bekannt geworden — bildeten eine Generation von Pop-Stars, die ihr Image im Zeitalter der sozialen Netzwerke mit totaler strategischer Meisterschaft verwalteten.

Hip-Hop und Trap: absolute Dominanz

Die 2010er Jahre konsekrierten Hip-Hop als das musikalisch und kommerziell dominanteste Genre des Planeten. Im Jahr 2017 überholten Hip-Hop und R&B zum ersten Mal in der Geschichte der amerikanischen Charts den Rock beim Gesamtkonsum — eine symbolische und sachliche Revolution, die das Ende einer sechzigjährigen Rock-Vorherrschaft markierte.

Kendrick Lamar etablierte sich als das künstlerische Gewissen seiner Generation. Seine Alben Good Kid, m.A.A.d City (2012), To Pimp a Butterfly (2015) — ein Meisterwerk des politisch engagierten Jazz-Raps über die afroamerikanische Erfahrung — und DAMN. (2017) brachten ihm 2018 den Pulitzer-Preis für Musik ein, die erste derartige Auszeichnung für einen Künstler außerhalb der klassischen Musik oder des Jazz. Drake, die dominierende Figur des Jahrzehnts auf der kommerziellen Ebene, erfand einen introspektiven und melancholischen Rap-R&B-Stil — von seinen Kritikern Emo-Rap genannt —, der eine ganze Generation von Rappern beeinflussen sollte.

Trap, in den 2000er Jahren in Atlanta mit T.I. und Young Jeezy geboren, explodierte in den 2010er Jahren unter dem Anstoß von Future, Migos, Young Thug und 21 Savage. Seine Klangmerkmale — schnelle synkopierte Hi-Hats, donnernde 808-Bässe, langsame Tempi — drangen nach und nach nicht nur in den Hip-Hop, sondern auch in Pop, R&B, Elektronik und sogar lateinamerikanische Musik ein. Post Malone und XXXTentacion, umstrittene Figuren gegen Ende des Jahrzehnts, veranschaulichten die totale Durchlässigkeit zwischen Trap, Emo und Mainstream-Pop.

In Frankreich erlebte der französische Rap ein noch nie dagewesenes goldenes Zeitalter. Booba, Nekfeu, Orelsan, PNL, Damso und Ninho schoben die Grenzen des Genres voran — in lyrischer Raffinesse, klanglicher Innovation oder Verkaufszahlen. Orelsan gewann mit dem Album La Fête est finie (2017) drei Victoires de la Musique und etablierte sich als luzidester Chronist seiner Generation.

🎤 Beyoncé und das Album als politischer Akt

Die Überraschungsveröffentlichung von Lemonade (2016), begleitet von einem einstündigen Visualfilm auf HBO, markierte eines der großen Kulturereignisse des Jahrzehnts. Dieses monumentale Album erkundete ehelichen Verrat, das Erbe der Sklaverei, schwarze Solidarität und weiblichen Widerstand mit einer künstlerischen und emotionalen Intensität, die in Beyoncés Karriere beispiellos war. Es wurde weltweit als eines der bedeutendsten Alben des 21. Jahrhunderts gefeiert.

R&B, Soul und die neue Vokal-Generation

Der R&B der 2010er Jahre wandelte sich tiefgreifend und spaltete sich zwischen einem Mainstream-Strom, der stark von Trap und Elektronik beeinflusst war, und einer alternativen Bewegung — oft als Alternative R&B oder PBR&B bezeichnet — auf, die zu harmonischen Experimenten und einer dunkleren, komplexeren Ästhetik zurückkehrte.

Frank Ocean revolutionierte mit den Mixtapes nostalgia, ULTRA (2011) und dem Album Channel Orange (2012) das Genre, indem er eine emotionale Aufrichtigkeit, eine Ehrlichkeit über seine sexuelle Identität und eine harmonische Raffinesse einbrachte, die ihm Vergleiche mit den großen Soul-Songwritern einbrachten. The Weeknd, das Alter Ego von Abel Tesfaye, destillierte einen nächtlichen, gleichzeitig hedonistischen und melancholischen R&B, der ihn ab 2015 an die Spitze der Welthitparaden katapultierte. SZA, H.E.R. und Khalid verkörperten gegen Ende des Jahrzehnts eine neue Welle weiblicher und männlicher Talente von bemerkenswerter Frische und künstlerischer Tiefe.

EDM, Elektronische Musik und Festivalkultur

Der Beginn der 2010er Jahre war von einem beispiellosen Boom des Massen-EDM (Electronic Dance Music) geprägt. DJ-Produzenten wie David Guetta, Calvin Harris, Avicii, Tiësto und Skrillex erlangten die Berühmtheit von Rockstars, füllten die größten Hallen und gefragtesten Festivals der Welt. Das Modell des DJ als Rockstar — in den 1990er Jahren mit Pionieren wie Carl Cox und Paul Oakenfold geboren — erreichte seinen kommerziellen und medialen Höhepunkt.

Avicii, ein schwedischer Produzent von Genialität, verkörperte die perfekte Verschmelzung von Massen-EDM und unvergesslichen Pop-Melodien. Sein Track Wake Me Up (2013), der Elektronik und Folk mischte, war einer der meistgespielten Singles des Jahrzehnts im Streaming. Sein tragischer Tod 2018 im Alter von 28 Jahren offenbarte den immensen Druck, dem Künstler der globalen Elektronikszene ausgesetzt sind. Aviciis Tod löste eine kollektive Bewusstseinswende in der Musikindustrie rund um das Thema psychische Gesundheit aus.

In Frankreich schuf Daft Punk mit Random Access Memories (2013) eines der meistgelobten Alben des Jahrzehnts: vollständig mit Live-Musikern aufgenommen, huldigte es dem Disco und den analogen Klängen der 1970er und 1980er Jahre in einem wunderbaren kreativen Widerspruch. Die Single Get Lucky mit Pharrell Williams und Nile Rodgers wurde einer der meistgespielten Tracks des Jahres 2013 in aller Welt.

Der weltweite Durchbruch des K-Pops

Eines der außerordentlichsten Phänomene der 2010er Jahre war zweifellos die weltweite Eroberung durch den K-Pop — koreanische Popularmusik. Dieses Genre, das in Südkorea in den 1990er Jahren unter dem Anstoß von Talentagenturen wie SM Entertainment, JYP und YG Entertainment entstanden war, überschritt in den 2010er Jahren die Grenzen seines Herkunftslandes und wurde zu einem echten globalen Kulturphänomen.

Der symbolische Ausgangspunkt war das Musikvideo von Psy, Gangnam Style, im Juli 2012 veröffentlicht: Binnen weniger Wochen brach es alle Aufrufrekorde auf YouTube und wurde das erste Video mit über einer Milliarde Aufrufen, dann über zwei Milliarden. Seine unsichtbares Pferd-Choreografie wurde weltweit nachgeahmt, von Schulhöfen bis zu offiziellen Zeremonien. Doch den eigentlichen K-Pop-Tsunami verkörperte BTS (Bangtan Sonyeondan), eine 2013 gegründete Gruppe von sieben jungen Männern, die sich nach und nach zur beliebtesten Gruppe der Welt entwickelte: Sie waren die ersten koreanischen Künstler, die mit Dynamite (2020, dessen Wurzeln im letzten Jahr des vorigen Jahrzehnts liegen) Platz eins der amerikanischen Billboard Hot 100 erreichten.

K-Pop bietet ein Musikproduktionsmodell, das sich radikal von westlichen Standards unterscheidet: jahrelanges intensives Training der Idols, eine millimetergenau gestaltete visuelle Ästhetik, komplexe Choreografien und Community-Management der Fandoms (ARMY für BTS, Blinks für Blackpink) über soziale Netzwerke. Blackpink, 2016 gegründet, bestätigte mit seinen Mitgliedern Jennie, Rosé, Lisa und Jisoo, dass weiblicher K-Pop auf der Weltbühne ebenso erfolgreich ist.

Der Aufstieg der globalen Afrobeats

Die 2010er Jahre konsekrierten Afrobeats — zu unterscheiden von Fela Kutis politischem Afrobeat der 1970er Jahre — als eine der wichtigsten und einflussreichsten Musikbewegungen des Jahrzehnts. In Nigeria, Ghana und der afrikanischen Diaspora Londons und Paris’ entstanden, fusioniert dieses Hybridgenre traditionelle afrikanische Rhythmen, jamaikanischen Dancehall, amerikanischen Hip-Hop und elektronischen Pop zu einem festlichen und unwiderstehllich tanzbaren Cocktail.

Wizkid, Davido, Burna Boy und Tiwa Savage verkörperten diese goldene Generation nigerianischer Afrobeats. Wizkid arbeitete mit Drake am weltweiten Hit One Dance (2016) — dem meistgestreamten Single des Jahres — zusammen und signalisierte damit die endgültige Integration von Afrobeats in den englischsprachigen Mainstream. Burna Boy, der sich selbst zum African Giant ausrief, führte den Afro-Fusion mit dem Album African Giant (2019) und einer elektrisierenden Bühnenpräsenz zu seinen Höchstleistungen. In Frankreich verkörperten Künstlerinnen wie Aya Nakamura — deren Track Djadja (2018) zum meistgestreamten französischsprachigen Song aller Zeiten wurde — die Begegnung zwischen zeitgenössischem französischen Pop und Afrobeats-Einflüssen.

Indie-Folk, Alternative Rock und unabhängige Szenen

Als Gegenpol zu den Massenphänomenen erlebten die 2010er Jahre das Aufblühen einer bemerkenswert reichen Indie-Folk-Szene. Bon Iver, Fleet Foxes, Sufjan Stevens, The National und Arcade Fire — deren Album The Suburbs (2010) den Grammy für das Album des Jahres gewann, eine seltene Auszeichnung für eine unabhängige Gruppe — entwarfen eine introspektive, akustische und poetische Ästhetik, die ein ebenso breites wie anspruchsvolles Publikum erreichte.

In Großbritannien erreichten Arctic Monkeys mit AM (2013), dem meistverkauften britischen Rockalbum des Jahrzehnts im Vereinigten Königreich, ein neues Niveau. Florence + the Machine, The xx und Alt-J bildeten eine neue britische Welle, die künstlerischen Ehrgeiz mit melodischer Zugänglichkeit verband. Außerhalb der anglophonen Kreise bewies Stromae, dass Französisch die Sprache eines ehrgeizigen und einzigartigen Welt-Pops sein kann — mit Racine carrée (2013), einem Album, das sich über drei Millionen Mal verkaufte und ihm Stadionkonzerte rund um die Welt einbrachte.

Künstler und ikonische Persönlichkeiten

Das Jahrzehnt konsekrierte Künstler, deren kulturelle Ausstrahlung weit über den rein musikalischen Bereich hinausgeht:

• Adele — die meistverkaufte Aufnahmekünstlerin des Jahrzehnts, Stimme einer ganzen Generation.
• Kendrick Lamar — Pulitzer-Preisträger, Gewissen des zeitgenössischen Hip-Hops, Dichter der afroamerikanischen Erfahrung.
• Beyoncé — absolute Königin des globalen Pops, totale politische und feministische Künstlerin.
• Drake — der meistgestreamte Künstler des Jahrzehnts, Erfinder des melancholischen Massen-Raps.
• Ed Sheeran — der Mann mit der Gitarre, der Stadien rund um die Welt eroberte.
• Stromae — das belgische Genie, das den frankophonen Pop auf der Weltbühne etablierte.
• BTS — Südkoreas musikalische Botschafter, ein planetarisches Kulturphänomen.
• Billie Eilish — Entdeckung des späten Jahrzehnts, Stimme einer ängstlichen und kreativen Jugend.
• Frank Ocean — stiller Architekt des Alternative-R&B, rarer und visionärer Songwriter.
• Avicii — Genie des Pop-EDM, zu früh gegangen, ein leuchtendes Werk hinterlassend.
• Burna Boy — Speerspitze der globalen Afrobeats, der African Giant seiner Generation.
• Orelsan — Chronist des französischen Unmuts, Victoires de la Musique, Stimme einer ganzen Generation.

Weltmusik in den 2010er Jahren

Die 2010er Jahre markierten die endgültige Krönung der planetarischen musikalischen Vielfalt. Streaming und soziale Netzwerke hoben die letzten geografischen Schranken der Musikdistribution auf: Ein Lied auf Koreanisch, Yoruba, brasilianischem Portugiesisch oder arabischem Dialekt kann nun weltweit Gehör finden, ohne Übersetzung oder kulturelle Vermittlung.

In Lateinamerika vollendete der Reggaeton mit Luis Fonsi und Daddy Yankee seine planetarische Eroberung — deren Track Despacito (2017), in der Remix-Version mit Justin Bieber, zum meistgestreamten Song der Geschichte und zum ersten spanischsprachigen Titel auf Platz eins der Billboard Hot 100 seit 1996 wurde. J Balvin, Bad Bunny und Maluma bestätigten, dass die lateinamerikanische Musik nun eine erstklassige globale Kulturkraft ist.

In Afrika erlebte die südafrikanische Musik jenseits der nigerianischen Afrobeats eine Renaissance mit Gqom und Amapiano, Genres, die in den Townships von Durban und Johannesburg entstanden und begannen, weltweit Publikum zu gewinnen. In Asien ebnete der K-Pop den Weg für japanische, chinesische, philippinische und indonesische populäre Musikszenen, die ihrerseits internationale Anerkennung anstrebten.

Erbe und dauerhafter Einfluss

Das Erbe der 2010er Jahre ist zugleich künstlerisch, technologisch und gesellschaftlich. Künstlerisch bewies das Jahrzehnt, dass Popularmusik eines intellektuellen und politischen Ehrgeizes fähig ist, der mit den von akademischen Institutionen am meisten anerkannten Kunstformen vergleichbar ist. Kendrick Lamars Pulitzer-Preis ist die spektakulärste Manifestation davon, aber weitere Zeichen finden sich zuhauf: die Aufnahme von Bob Dylan in den Literaturnobelpreis 2016, die museale Anerkennung von Beyoncés Musikvideos und die Programmierung von Pop-Künstlern in großen klassischen Konzertsälen.

Technologisch bilden die in den 2010er Jahren aufgebauten Streaming-Infrastrukturen nun den dauerhaften Rahmen der globalen Musikdistribution. TikTok, in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts erschienen, veränderte bereits tiefgreifend die Art und Weise der musikalischen Entdeckung und Viralisierung und kündete neue Wandlungen für die 2020er Jahre an. Die KI-generierte Musik, in den 2010er Jahren noch im Embryonalstadium, begann am Horizont aufzutauchen und warf grundlegende Fragen über Kreativität, Authentizität und die Definition von Musik als Kunst auf.

Schließlich werden die 2010er Jahre als das Jahrzehnt in die Geschichte eingehen, in dem die kulturelle und identitäre Vielfalt endgültig Revanche an den angloamerikanischen und westlichen Standards nahm, die seit den 1950er Jahren die Weltpopularmusik dominiert hatten. K-Pop, Afrobeats, Reggaeton, der frankophone Pop von Stromae und Aya Nakamura — all diese Strömungen bewiesen ein für alle Mal, dass große Musik weder eine Sprache noch Grenzen kennt.